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31 octubre 2009

Diseñar es Comunicar…

Filed under: Teorias de Diseño,Usuario y Objeto — verdemartinez @ 5:25 PM
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conversacionEn multitud de ocasiones me han preguntado: ¿que tiene que ver el mundo de la comunicación con el diseño industrial?, para muchos esto es algo evidente, sin embargo otros no acaban de encontrar dicha relación. Es por ello que os comentare a continuación ciertos temas de la comunicación y su directa relación con el mundo del diseño industrial.

Desde mi punto de vista, entiendo que un diseño debe de tener dos dimensiones: una funcional y otra comunicativa.

Muchos recordareis esos primeros minutos de “2001: Una Odisea en el Espacio” de Stanley Kubrick, en la que un homínido coge un hueso y empieza a golpearlo contra el suelo, bien pues esto sería una representación del primer objeto funcional que pudo haber tenido el hombre en sus inicios. Lo que quiero decir es que los objetos nacieron por una necesidad funcional, por una problemática que debía de cubrir el hombre en un momento dado. Así tenemos en muchos museos, puntas de lanza, cerámicas, herramientas y sinfín de objetos que hicieron la vida más fácil al hombre y sirvieron como extensiones de su cuerpo. Esta sería la dimensión funcional de cualquier objeto, que tiene sus inicios desde el momento en que empezamos a tener uso de razón.

Mas tarde, por diversos motivos, pero sobretodo por motivos socio-culturales, la producción de objetos tenia que cubrir otro aspecto mas. Al ser humano ya no le llegaba con que funcionara y solucionara el problema, sino que buscaba algo más, un vínculo entre el objeto y él. Y tanto es así, que las herramientas se empezaron adornar, diferenciando, marcando clases, y transmitiendo al usuario un mensaje (en ocasiones bueno, y en otras malo). 

Nace así esa dimensión comunicativa, que hasta día de hoy sigue vigente en cualquier diseño industrial. Debemos de entender el diseño industrial como una forma de comunicación más, donde hay un mensaje codificado a través de un lenguaje común entre diseñador y usuario final. La codificación del lenguaje se consigue a través de las formas geométricas y la aplicación de materiales en los objetos. Un cuadrado no transmite lo mismo que un círculo así como la superficie de una piedra no comunica lo mismo que un terciopelo.

Un símil que me gustaría emplear es el siguiente: Un escritor o poeta tiene que escoger las palabras adecuadas en cada parte de su novela o estrofa, para transmitir un mensaje u otro al lector. A un diseñador le ocurre lo mismo pero a nivel objetual (físico-funcional) y visual (materiales, colores, formas).

Diseñar es comunicar, y comunicar es diseñar, ambos van cogidos de la mano. Un buen diseño tiene que ser funcional y comunicativo, debe transmitir valores, usos, funciones y todo ello con el fin de conseguir un entorno más agradable y humano para el usuario.

En este proceso de comunicación se pone de manifiesto un dialogo entre el diseñador usuario final, donde el soporte del mensaje viene dado por el objeto, y la respuesta del usuario se traduce en sentirse identificado con el objeto, o quien sabe… el rechazo de dicho producto. Este dialogo, en términos de comunicación, se conoce como “Feedback”, que viene siendo un proceso de retroalimentación entre diseñador y usario, donde intercambian información.

Más Información:

Que es el Feed-Back? : http://es.wikipedia.org/wiki/Feed-back

Teorías y Modelos de Comunicación: http://es.wikipedia.org/wiki/Comunicaci%C3%B3n

 

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26 agosto 2009

Creatividad, Funcionalidad y Comunicación

Filed under: Teorias de Diseño,Usuario y Objeto — verdemartinez @ 7:19 PM
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"Turtle" Diseñado por Nick Crosbie, Inflate.

"Turtle" Diseñado por Nick Crosbie, Inflate.

Todos los días recibimos multitud de información a través de nuestros ojos, siendo muy diversos los métodos empleados para llegar a este fin. Algunos a la hora de comunicar, pecan de sobredimensionar el mensaje, recurriendo a colores chillones y formas sin función y todo ello puede acabar incordiando nuestras rutinas. Esta claro que hay muchas formas de comunicar un mensaje pero la gente abusa del método más eficiente y económico cuando se trata de comunicar. Pensareis, que esto es lo lógico, que cueste poco y que llegue al mayor numero de personas, pero esto no es así…

 Cuando se tratamos de comunicar algo, lo mas importante es que el mensaje sea claro, pero además tiene que tener cierto grado de originalidad para que destaque sobre el resto, haciendo que llegue antes al individuo.

 La función de un objeto es la mejor forma de comunicar algo, ya que el usuario interactúa con ese mensaje, juega con esa comunicación haciendo que le sea más cercana y  fácil de retener. Es por ello que la mejor publicidad de una empresa son sus productos y su presentación dentro de un contexto social.

 Con esto no quiero, menospreciar a otros medios de comunicación, que en otros campos son muy importantes dependiendo de lo que se quiera comunicar, pero aun así sigo pensando que es más interesante interactuar con el objeto que leer su libro de instrucciones…

 La mejor manera de comunicar a través de la función de un objeto es siendo creativo, en todo su proceso y desarrollo. La creatividad potencia la funcionalidad y por lo tanto la comunicación, transmisión de valores y sentidos.

 Después de comentaros esta pequeña gran “introducción”, quiero hablaros de una empresa joven y reciente que lleva esta teoría en su forma de ser:

 Inflate es una empresa británica que nace a mediados de los noventa, especialista en desarrollar proyectos basados en procesos de fabricación antiguos y poco explotados. La mayoría de sus objetos son de distintos plásticos y polímeros, que a través de un proceso de inflado cobran su forma y volumen. Son objetos con una visión innovadora, donde la creatividad reside en buscar nuevas formas a la funcionalidad y nuevas funcionalidades a las formas. Si a esto le añadimos, los colores y texturas, obtenemos productos que emiten y transmiten un mensaje acompañado de sensaciones de cara al usuario final.

 Sus productos son su mejor publicidad, y tanto es así que el diseñador tiene una responsabilidad muy grande para comunicar valores dentro de contextos masificados de mensajes.

Para mas información:

http://www.inflate.co.uk/

11 mayo 2009

Vorticismo!! Dialéctica entre Hombre y Máquina

Filed under: Teorias de Diseño — verdemartinez @ 10:58 PM
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Revista BLAST

Revista BLAST

No cabe duda de que la tecnología esta tomando rumbos hacia grandes avances y cada vez más rápidos en nuestro día a día. Podemos observarlo en los objetos puramente tecnológicos  que nos rodean, como pueden ser electrodomésticos, periféricos de todo tipo, e incluso si vamos más allá,  robots. Es por ello que son numerosas las visiones e hipótesis que tratan los efectos que puede causar en un futuro todos estos avances a corto plazo. Las mentes mas visionarias, nos plantean mundos dominados por las maquinas, donde el hombre esta al servicio de la maquina. Pero no creáis que esta forma de pensar es propia de las últimas décadas, lo cierto es que en las vanguardias ya se planteaban la problemática que podía alcanzar la tecnología a largo plazo.

Vanguardias del siglo XX, como el Futurismo y el Vorticismo estaban claramente influenciadas por los avances tecnológicos del momento. El Futurismo, con sus formas en movimiento, y ese caos jerárquico en sus composiciones, trataba de representar ese espíritu de la maquina, del avance y el progreso llegando a extremos de adoración hacia la tecnología y exaltación de la misma.

El Vorticismo, es la gran vanguardia desconocida, ya que tiene rasgos muy similares al Futurismo y Cubismo: formas marcadas por un gran dinamismo y por una abstracción y geometrización de las líneas mucho mas exagerada. Nació a manos del artista y pintor ingles  Wyndham Lewis. Fue un estandarte para las nuevas expresiones en contra del estilo victoriano que reinaba en Inglaterra por aquel entonces.

En 1914 y 1915 el movimiento publicó dos manifiestos en su revista BLAST. En la revista se puede observar el los rasgos del Vorticismo en su diseño grafico radical, y en sus tipografías marcadas.

 Una vez comentado todo esto, cabe mencionar que lo que realmente destaca de este movimiento es su gran admiración por las maquinas y las tecnología, pero las admiraban con respeto, siendo conscientes de que dichos avances tecnológicos y tan lograda perfección podrían ser la destrucción del ser humano. Advirtieron lo que muchos textos y películas de ciencia-ficción nos pueden mostrar ahora; la sumisión del ser humano frente a las maquinas.

Composición Vorticista

Composición Vorticista

Los vorticistas , fueron  capaces de vislumbrar un posible futuro de las maquinas, a la vez que crearon un lenguaje visual muy impactante y atractivo, con el cual me siento identificado y hoy quiero compartir con vosotros.

La esclavitud del hombre frente a la maquina; la esclavitud de la maquina frente al lenguaje.

28 abril 2009

Constructivismo Mental

Filed under: Teorias de Diseño — verdemartinez @ 11:18 AM
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El lissitzky,1919

El lissitzky,1919

No es nada novedoso que el diseño funcione como una herramienta del sistema político dentro del contexto socio-cultural de una época. Desde los inicios de la historia la creación siempre estuvo ligada a algún tipo de poder, político, económico o religioso, y tanto es así que este sistema perduro en el tiempo hasta los comienzos del siglo XX. Hay un movimiento en el que esto se pone de manifiesto y deja ver claramente la relación entre creación y poder político, hablo del constructivismo.

El constructivismo fue fruto  de la vanguardia soviética tras la Revolución rusa en 1917, esta nueva corriente reflejaba la necesidad y deseo de un nuevo orden político que rompiera con el pasado de manera radical, dando lugar a una nueva era. El diseño y la creación de objetos se volvieron casi indispensables para el nuevo régimen, convirtiéndose en el vehiculo de expresión y comunicación del poder político frente a las masas. Funciono, por decirlo de alguna manera, algo así como la radio y televisión para un gobierno actual, un medio de comunicación de ideales políticos frente a la sociedad de aquel entonces. El nuevo régimen  tomo la imagen y formas del constructivismo haciéndolas suyas.

Pero el constructivismo va mas allá de ser una mera herramienta del gobierno, tenía sus propios ideales y principios. Los constructivistas creían  tenían que ligarse a la producción industrial, que venia pegando fuerte, por lo tanto decidieron crear arquitectura y arte “de producción”. Adoptaron una visión no objetiva de las cosas, legando toda capacidad comunicativa a las figuras puramente geométricas y matemáticas, como el cuadrado, el circulo, el triangulo, cruces, rectángulos etc…Su mentalidad no objetiva, les facilito la comunicación de ideas subjetivas a través de formas universales conjugadas con colores primarios. Esta claro que la geometría es un lenguaje universal, y las figuras geométricas llegaban a mas gente, comunicaban ideales  e intenciones mucho mas allá que las palabras, calando hondo en un sociedad proletaria donde la mayoría era analfabeta. El poder comunicativo del constructivismo aceleró  el proceso de revolución, pasando a ser la nueva imagen de esta.

La revolución rusa, necesitaba una producción objetual que llenaran sus edificios, casas e instituciones con el nuevo lenguaje. Los artistas constructivistas se convirtieron en “esclavos” del gobierno y su propia ideología ligada al poder político. Este hecho se puede observar en el manifiesto creado en 1920 por los diseñadores Alexei Gan, Varvara Stepanova y Rodchenko donde rechazan las estéticas ociosas e impulsan la creación de objetos útiles que puedan beneficiar al nuevo estado político. Trabajan para y por el estado.

Esto provoco el rechazo por parte de otros diseñadores hacia el nuevo rumbo del constructivismo. Diseñadores como Naum Gabo y Antoine Pevsner publicaron su propio “manifiesto realista” dejando claro que  el constructivismo era algo mas que el lenguaje marxista. Para ellos el constructivismo desempeñaba un papel importante en la vida misma y era un medio indispensable para representar la experiencia humana. Emigraron de Rusia, hacia Europa y mas tarde sus ideales darían lugar a otros que conocemos.

Peón

Peón

Mi reflexión es que nunca dejes que otros piensen en ti, que tengas tus propios ideales y que los lleves a cabo en tus diseños y conceptos. Puedes ganarte la vida diseñando para otros, pero ten cuidado y no te conviertas esclavo de tu propia corriente, o de algún tipo de poder económico y político.

 Ten ideas cuadradas, pero nunca seas cabeza cuadrada!!

21 abril 2009

La Labor Social del Diseño

Filed under: Usuario y Objeto — verdemartinez @ 3:35 PM
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Cucharas Ajustables, Ergonomi Design Gruppen, 1980.

Cucharas Ajustables, Ergonomi Design Gruppen, 1980.

A veces el diseño se pierde entre nombres de empresas, imágenes corporativas, campañas de marketing, ventas, fechas de entrega etc…. poniendo todo el esfuerzo del diseñador en producir y crear cosas “bellas” en periodos de tiempo muy cortos y gastando lo mínimo, tanto en recursos humanos, económicos y materiales. Esto esta muy bien, siempre y cuando tengamos objetos funcionales y  no nos olvidemos del fin ultimo del diseño, y de esa componente humana que el diseñador tiene que tener presente en todo el proceso creativo. Por desgracia no siempre es así, y en ocasiones los objetivos propios de un buen diseño se sacrifican a favor de los objetivos de la empresa para la que se diseña, con el único objetivo de ganar mas dinero y recortar gastos, pero olvidándonos de ese fin social  y humanista por el cual nació el diseño.

Después de esta visión un tanto alarmista del diseño actual, cabe decir que  en este mundo del diseño todo tiene lugar, y hay gente que se dedica en cuerpo y alma al diseño “social”, donde su principal y último objetivo es facilitar la vida de aquellos que tienen dificultades para desenvolverse en esta sociedad tan competitiva. Este es el caso del grupo de diseño Ergonomi Design Gruppen.

En 1979, se llevo a cabo en Suecia la fusión de los estudios de diseño “Designgruppen” y “Ergonomi Design” que dio lugar al “Ergonomi Design Gruppen”. Este grupo se dedico a la creación de diseños de una excelente calidad y fiabilidad siendo su principal inquietud el diseño ergonómico. Sus diseños estaban muy orientados a la relación entre persona y objeto. Siempre realizaban maquetas de los objetos a escala real para ver si sus conceptos se cumplían en la práctica. Es así que sus productos para gente discapacitada siempre tuvieron un gran éxito, empleando materiales de calidad y llegando a soluciones ergonómicamente destacables. Un ejemplo de este tipo de diseño es su cubertería y vajilla “Eat and Drink”, que destaca por ser especialmente para gente que discapacidades físicas y con dificultades para emplear cualquier pieza de cubertería normalmente.

El grupo también abarco el diseño para operarios en los que la persona esta sometida a actividades repetitivas en periodos largos de tiempo, que desembocan en lesiones y enfermedades. Su diseño mas destacable en esta área fueron una serie de maquinas impresoras y soldadoras, que mejoraban la calidad de vida de los trabajadores, reduciendo los accidentes laborales y lesiones.

Estos diseños se pudieron llevar a cabo gracias  diseñadores como Mari Benktzon, Sven-Eric, alumnos de la Konstfackskolan ( Escuela de Arte y Artesania) de Estocolmo. Diversos proyectos fueron patrocinados parcialmente por instituciones gubernamentales como el Fondo Sueco apara el Entorno del Trabajo. Esta claro que Suecia siempre ha tenido una gran tradición en cuanto al diseño que apuesta por la calidad de vida.

Conociendo estos casos de altruismo y diseño social hay que ser conscientes de que es una tarea muy sacrificada y que diseñar para gente con algún tipo de limitación física o mental puede ser realmente difícil, pero no por ello se tiene que dejar de lado ya que mejorando la calidad de vida de los discapacitados, estamos mejorando también la calidad de vida de sus personas mas allegadas y de la sociedad en general.

Cumplir con todos los requisitos de un proyecto para que sea viable económicamente, es bueno para la empresa; cobrar o recibir algún tipo de compensación por diseñar, es bueno para el diseñador; tener en cuenta en todo el proceso de diseño al usuario final del objeto y los beneficios que a este le aportan, es bueno para la empresa, para el diseñador, para el diseño y la sociedad.

Mas imagenes en:

http://www.moma.org/collection/browse_results.php?criteria=O%3AAD%3AE%3A8697&page_number=1&template_id=6&sort_order=1

13 abril 2009

La Cúpula de la Creatividad

Filed under: El usuario y el Espacio,Teorias de Diseño — verdemartinez @ 12:36 PM
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Cupula Geodesica Exposición Universal de Montreal, 1967

Cupula Geodésica Exposición Universal de Montreal, 1967

Hace unos días leí la historia de un visionario de comienzos del siglo XX que realizo un diseño de vivienda muy atrevido a causa de la muerte de su hija de cuatro años. El diseño requería una gran creatividad y conocimientos técnicos para llegar a la solución final; esto me plantea si la actividad creativa se aprende con la experiencia o realmente es algo con lo que se nace, algo que esta de manera innata en nosotros cuando nacemos.

Para llegar a objetos y conceptos realmente innovadores hacen falta muchos factores y conocimientos previos, pero además de eso hace falta un extra, un valor añadido que solo muy pocos saben y pueden aplicar al objeto, dotándolo de alma, presencia y personalidad…

Richard Buckminster Fuller, siempre fue un visionario de los que tenían talento y sabia como aplicarlo a sus creaciones llegando a conceptualizar ideas que nadie podía entender entonces. Estudio matemáticas en la universidad de Harvard entre 1913 y 1915. Mas tarde ingreso en la Academia naval de Estados Unidos donde realizo varios prototipos de aviones propulsados a reacción. En 1922 murió su hija de 4 años a causa del mal estado de un edificio, este suceso lo marco de tal manera que se propuso hallar soluciones globales para los problemas sociales de aquel entonces. En 1934 creo la empresa 4D Company, para desarrollar sus diseños que seguían la ideología de crear soluciones empleando el menor gasto de energía y material, tratando de hacer un mundo mejor para todos. Se basaba en el principio del movimiento moderno de “…menos es mas…”. Bautizo su propia teoría como “Dymaxion” termino derivado de “dinámico” y “máxima eficacia”.

Su mayor creación fue la cúpula geodésica. El destacable diseño ofrecía un medio de producir viviendas ecológicas para el mercado de fabricación en serie.  Esta cúpula estaba compuesta por un modulo que permitía acoplar mas piezas modulares en cualquier dirección. La repetición de los módulos  permitía la creación de espacios en 360º, es decir crear esferas perfectas y cúpulas de dimensiones gigantescas. En su pensamiento se ponía de manifiesto que la vivienda ideal tenia que tener la forma de esfera, donde no existieran techos ni elementos físicos que limiten el espacio (este concepto viene dado a raíz de la muerte de su hija, la cual murió por el derrumbamiento de un muro). Su concepto era realmente innovador, proponía crear edificios y espacios sin limitación alguna de dimensiones, para ello se valía de unos conocimientos técnicos y matemáticos envidiables que junto con su mente visionaria y creatividad daba formas estructurales muy atrevidas, pero sin dejar de ser funcionales.

Buckminster Fuller y una pieza de la Cúpula Geodésica

Buckminster Fuller y una pieza de la Cúpula Geodésica

Esta cúpula es la única que puede ubicarse directamente en el suelo como una estructura completa. Ademas es el único tipo de edificación practica sin dimensiones limitadas que aprovecha el mayor espacio.

Conociendo este particular caso tengo que sospechar que la creatividad es algo con lo que se nace y en un momento dado se activa y da lugar a una creación extraordinaria. La técnica y los conocimientos nos ayudan a potenciar esta habilidad pero no aprenderla, y esta claro que el mundo que nos rodea y sus sucesos son los causantes de que la creatividad explote de manera descontrolada en ciertas etapas de nuestra vida. Buckminster Fuller tenia la creatividad de la que hablo y a lo largo de su vida fue activada por diversos sucesos, unos mas agraciados…otros no tanto.

Mas información en:

http://es.wikipedia.org/wiki/Cupula_geodesica

http://es.wikipedia.org/wiki/Buckminster_Fuller

6 abril 2009

El “Antidiseño” como Diseño

Filed under: Teorias de Diseño — verdemartinez @ 8:06 PM
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Componentes del Grupo Memphis

Componentes del Grupo Memphis

Esta claro que somos muchos los que coincidimos en que diseñar sin demasiadas condiciones y con total libertad creativa es un ejercicio muy satisfactorio donde las formas, colores, texturas y conocimientos se ponen de manifiesto sin ningún tipo de barrera.

 Desgraciadamente en la mayoría de los casos siempre tenemos condiciones de muchos tipos, siendo en ocasiones muy necesarias y en otras no tantas. Pero imaginaros por un momento el diseño por el diseño, diseñar sin ninguna norma ni regla y diseñar sobretodo por gusto y afición….Pues os gustaría haber sido participes del grupo Memphis.

 Memphis se fundo en Milán 1981 para impulsar el diseño radical que empezaba hacerse un hueco entre el mundo del diseño.

 Todo comenzó a finales de los setenta, con unos cuantos diseñadores de vanguardia italianos, como Ettore Sottsass, Andrea Branzi, Alessandro Mendini y miembros del Studio Alchimia. Estos experimentaron teorías y fundamentos artísticos e intelectuales del diseño, muy osadas para aquel momento. Apostaban por el “rediseño” y el “diseño banal” que proporciono numerosas ideas en el Studio Alchimia. Sottsass, quería llegar mas lejos y considero que dichas teorías restringían la creatividad, el buscaba ir mas allá y por lo tanto abandono el grupo.

 El 11 de diciembre de 1980, Sottsass reunió en su casa a diseñadores como Michele De Lucchi, Marco Zanini, Aldo Cibic  entre otros y barajaron la posibilidad de dar un enfoque distinto al diseño del momento. Así nació Memphis, que debe el nombre a una canción de Bob Dylan que había sonado en la radio repetidamente a lo largo del día además de ser la capital de la cultura en el antiguo Egipto.

 En 1981, volvieron a reunirse y para entonces ya tenían numerosos dibujos y diseños con atrevidos colores, formas futuristas, estilos decorativos de antaño como el Art Deco, Pop Art, Kitsch de los años 50 entre muchos otros, siempre teniendo presente el crear polémica con sus objetos y criticar abiertamente a lo que se consideraba buen diseño. Esta actividad se conoció como el “Antidiseño”.

Libreria Carlton

Libreria Carlton

El director de Artemide, Ernesto Gismondi llego a ser presidente del grupo en 1981 realizando la primera exposición de Memphis y sus diseños en sala de exposiciones Arc´74 en Milán. Los productos alcanzaron mucha fama y causaron muchas críticas en la sociedad de entonces, crearon gran expectación en el mundo del diseño a nivel internacional recorriendo numerosos países y realizando exposiciones por todo el mundo.

 El propio grupo era cosciente de que formaban parte de una moda pasajera y tanto es así que en 1988 Sottsass decidió disolver el grupo cuando el movimiento empezó a menguar. Es difícil imaginar como una teoría de diseño se puede poner en contra del propio diseño, los fundamentos de las actividades del grupo Memphis consistían en eso mismo, el “Antidiseño” como estandarte de su teoría.

 Si reflexionamos sobre esto, “Antidiseñar” es una actividad tan productiva creativamente y legitima como diseñar. Todos deberíamos “Antidiseñar” alguna vez para comprender realmente lo que es diseñar y saber criticar el buen diseño.

Mas información en:

http://www.designmuseum.org/design/memphis

http://es.wikipedia.org/wiki/Grupo_Memphis

28 marzo 2009

Intención vs Ideología

Filed under: El usuario y el Espacio — verdemartinez @ 12:17 PM
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Pictogramas Juegos Olímpicos Múnich,1972

Pictogramas Juegos Olímpicos Múnich,1972

Muchas veces la dificultad de representar algo de la realidad a través del material, ya sean volúmenes, formas o dibujos, reside en la problemática de la comunicación y que elementos emplear para que sean reconocibles y entendibles por el usuario, a menudo con una distinta concepción del mundo muy marcada por su contexto geográfico y cultural. Hay muchos ejemplos y soluciones para esta problemática, pero aquí cada uno hace uso de su forma de pensar y establece para si mismo cual es la correcta.

 Pintores, escultores, arquitectos  y sobretodo diseñadores conocen  esta problemática y saben que las ideas se pueden transmitir de muchas formas, pero cual es la más correcta?

 Actualmente se emplean carteles comunicativos en paradas de autobús, estaciones, hoteles, eventos y en un sinfín de lugares, pero si os habréis fijado en muchos no hay ni una sola palabra y simplemente elementos figurativos que son igual de comunicativos que un texto. La necesidad de comunicar en un espacio donde confluyen distintas culturas y sociedades  desemboca en  los pictogramas. Estos ocupan un lugar muy importante en nuestra sociedad, y en cualquier civilización medianamente avanzada.

 Aquí cabe mencionar a Otl Aicher, al padre los pictogramas modernos. Aicher estudio escultura en la “Akademie der Birdelden Künste” (Munich), de 1946 a 1947. Posteriormente abrió su estudio de grafista en Ulm en 1948. Fundo y trabajo en la Hochschule für Gestaltung, Ulm, la escuela de diseño alemán más conocida durante la posguerra. Aicher realizo numerosos proyectos, entre los que destacan la formulación de una estética coherente y racional  para Braun además de los Pictogramas de los juegos olímpicos de Munich 1972, por los que es realmente es conocido.

 Aicher critica la razón pura del racionalismo y dice que el empleo de formas geométricas no viene dado por un mero uso de la razón, sino por la actitud del propio diseñador y su intención a la hora de solucionar una necesidad comunicativa. De esta filosofía, nació los pictogramas de los juegos olímpicos. Empleo las tres formas geométricas básicas, cuadrado, círculo y triangulo que combinadas entre si y ocupando una situación estratégica en el espacio transmitían un mensaje muy concreto y claro. El empleo de estas geometrías y su situación viene dada por la intención de comunicar algo “el que, el como y el cuando”.

 Mi conclusión de esto, es que no hay que seguir ciegamente una teoría de diseño o una ideología, mas bien tienes que saber que necesitas y que es lo correcto en cada momento para llegar al la solución final deseada teniendo claro en todo momento cual es tu intención.

Mas información en:

http://es.wikipedia.org/wiki/Otl_Aicher

http://www.linotype.com/651/otlaicher.html

24 marzo 2009

Diseño y Religión?si…existe.

Filed under: Uncategorized — verdemartinez @ 11:50 AM
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Kenji Ekuan

Kenji Ekuan

A lo largo de la historia la ciencia y tecnología nunca se llevaron bien con la religión. Siempre que salía cualquier tipo de mejora tecnológica o descubrimiento científico la religión salía rápidamente a su paso poniendo multitud de barreras y pegas, siempre dentro del marco de la moral y la ética. Esta claro que cada individuo tiene su forma de ver el mundo y pocas veces concuerda con la de otro.

 El otro día estuve leyendo un artículo donde vi que la religión ayudaba a diseñar, y el diseño ayudaba al espíritu, un caso muy raro por cierto. Esta máxima poco común se pone de manifiesto con el diseñador japonés Kenji Ekuan, mas conocido en su país por el sobrenombre de “El Raymond Loewy nipón”.

 Kenji Ekuan comenzó su formación como monje budista, luego estudio diseño en la Universidad Nacional de bellas Artes y Música, licenciándose en 1955. Dos años antes fundo con compañeros del grupo GK (Grupo Koike) un estudio de diseño, de nombre Design Group, dedicado al diseño Industrial. Diseño motocicletas y equipos de audio para Yamaha durante más de 40 años, además de packaging para  Kikkoman, bicicletas para Maruishi y cámaras para Olympus.

MOTORCYCLE / R1

MOTORCYCLE / R1

Lo mas interesante de este diseñador es su filosofía, que establece el siguiente principio como el mas importante “buscar el alma de las cosas materiales”, en un intento de humanizar la maquina y llegar a la esencia de las formas, para que alcancen la armonía con el usuario. No hay que divagar mucho para darse cuenta de la influencia budista en esta filosofía, la cual le dio muchos éxitos a lo largo de los años, haciendo objetos bellos por su utilidad y sencillez.

 No es un diseñador famoso a nivel internacional, pero para mi es tan grande como otros mas conocidos. Es un claro ejemplo de que el mejor diseñador siempre permanece en la sombra y no en los medios y las firmas.

Mas información en:

http://www.chilepd.cl/content/view/4432/Kenji_Ekuan.html

http://translated.dexigner.com/es/product/news-g12452.html

20 marzo 2009

Biro! Genialidad en Forma de Bolígrafo.

Filed under: Uncategorized — verdemartinez @ 8:43 PM
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Cartel Publicitario de Birome, 1938

Cartel Publicitario de Birome, 1938

Hace  unos 60 años, tener un bolígrafo BIC era todo un símbolo de estatus y categoría social, algo que hoy es impensable ya que todo el mundo tiene a su alcance un bolígrafo. Es quizás por esto que ya no se tiene en cuenta como elemento diferenciador; aún así, hay ciertas excepciones que se remiten a bolígrafos con acabados cromados y materiales de alta calidad. Estos últimos no son más que el resto del entendimiento del bolígrafo como objeto de estatus por parte de la sociedad de mediados del siglo XX. Pero para llegar a esto, el invento como tal, recorrió un gran viaje…

 

László Jozsef Biró creo el primer bolígrafo y lo patento en 1938 con el nombre “Birome”. Anteriormente cabe nombrar a John J.Loud que en 1888 registro la patente de un utensilio para marcar el cuero, este hecho es el precursor del bolígrafo.

 

Biró empleo en su invento una tinta de imprenta con un secado muy rápido, inmediatamente relaciono esto con la escritura a mano, y pensó que seria perfecta. Realizando sus primeros prototipos se dio cuenta de que la tinta era demasiado espesa y no se desplazaba bien en el papel. Para solucionar esto empleo en la punta del bolígrafo una pequeña bola, que al desplazarse por el papel y rodar, iba depositando la tinta en el mismo. Este era sobretodo un sistema práctico, y limpio, algo que revolucionaría el mercado posteriormente.

 

En 1944, el contable inglés Henry George Martin  y socio de Biró llevo los bolígrafos a Inglaterra y se los vendió al ejército inglés. Rápidamente el bolígrafo se hizo muy popular entre los pilotos de aviación ingleses (no derramaba tinta, siendo práctico, rápido y cómodo para usar dentro de las cabinas de los aviones). El ejercito Americano también compro numerosas unidades. Al principio el artilugio tenia un alto valor económico y solo estaba al alcance de las clases más pudientes, fabricándose pocas unidades con costes elevados.

 

Pero no fue hasta 1949 cuando se realizo una versión mejorada por parte del ingeniero especialista en plásticos, Marcel Bich y lo comercializo bajo el nombre de “BIC point”, dando posteriormente a diversos modelos y tipos de bolígrafos. 

Bolígrafo Bic Cristal

Bolígrafo Bic Cristal

 

El nuevo producto se impulso con una campaña publicitaria innovadora, pasándose a vender en tan solo tres años después de su lanzamiento la cifra de 42 millones de unidades anuales.

 

Hoy en día los bolígrafos BIC, están por todos lados, no deja de ser un claro ejemplo de un diseño de masas y de cómo una simple pequeña pieza de forma esférica dio paso al bolígrafo que entendemos hoy, quizás este hubiera sido el deseo inicial de Biro, ferviente comunista.

 

Mas información en:

http://www.oni.escuelas.edu.ar/2002/buenos_aires/orgullo/historicos/biro.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/B%C3%ADr%C3%B3_L%C3%A1szl%C3%B3_J%C3%B3zsef

http://es.wikipedia.org/wiki/Bol%C3%ADgrafo

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